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極簡音樂,在催眠中找自己的靈魂

從這期開始,我們要給上班族介紹一些相對小眾、卻或許有意想不到樂趣的音樂,以及背後精采的音樂人故事。3月,就讓擁有極簡抽象美感的聲音伴你尋找新的春天。

古典樂的愛好者通常很守秩序,但一位作曲家幾乎引發了暴力事件。當實驗性作曲家史提夫‧萊許(SteveReich)於1973年在紐約的卡內基音樂廳,首次公開表演他的作品〈四台風琴〉(FourOrgans)時,全場的反應只能用「抓狂」來形容。有一名老太太甚至撞著舞台,一邊哭喊著:「求求你停下來吧!我認了!我認了!」

我想,當晚大家的極端反應也是能夠被理解的,畢竟〈四台風琴〉本身就是一種極端的音樂—它的第一樂章只有4個音符,不停重複彈奏長達10分鐘之久!這種「極簡抽象派」的概念性音樂對新手來說,確實很難被稱為「好聽」。同一位作曲家的另一個作品〈要下雨了〉(It’sGonnaRain,1965),更是對聽眾的一番挑戰:整首曲子是兩台錄音機不停地播放著一個人在大叫:「要下雨了!要下雨了!」而且兩台機器播放的速度還有點差異,因此那3個字不斷地重複、延遲、錯位……長達18分鐘。

概念不一定「美」,卻耐人尋味

如果那麼難聽,史提夫‧萊許為何如今被封為「20世紀最重要的音樂家之一」呢?因為他所推廣的極簡抽象風確實是一個重要的概念,也對現代音樂有了很深的影響。就像哲學家的散文不一定好讀,但很具影響力,概念性藝術家的作品不一定「美」,卻很耐人尋味。據說天王製作人布萊恩‧伊諾(BrianEno)聽了〈要下雨了〉的現場演出之後感到震撼不已,啟發了他對聲音的鑽研,而極簡抽象派的影響甚至出現在後來他為U2所製作的搖滾專輯中。

極簡抽象派的音樂有「極簡」和「重複」兩個特點—它的演奏方式和元素可能非常簡單、甚至單調,而這些單調的聲音又不斷地重複,從重複之中形成複雜。其實,史提夫‧萊許和菲利普‧葛拉斯(PhilipGlass)這些以極簡美學而成名的大師,都不能說是最先發明這些元素的。最原始的集體鼓聲和吟詠也算是一種極簡音樂。不同的是,在20世紀中旬,一群來自古典背景的作曲家運用了新科技(包括錄音機和電子樂器),以極簡為基礎,把聲音實驗搬進了演奏殿堂,進而對音樂本身做了一番新的詮釋。

電子樂,是極簡抽象音樂的後裔

另一位比較少人知道,但對極簡抽象音樂有極大貢獻的音樂家,名叫湯瑪士‧哈丁(ThomasHardin)。他是個身高200公分,留著大鬍子,穿著像北歐海盜,外號叫「月亮狗」的街頭藝人。月亮狗早在1940年代便固定在紐約街頭演出,而他的音樂不僅結合了爵士樂、美國原住民的部落音樂,也混合了各種大自然的聲音。當年雖然很多人把他當瘋子,但史提夫‧萊許和菲利普‧葛拉斯這些大師們都曾是他的粉絲,還說這位街頭音樂家所給他們的啟發,遠超過了他們在茱麗葉音樂學院所學的。

幾十年來,極簡抽象派雖然從未被廣泛接受,但這種創作概念確實影響了無數個音樂人,包括我在內。在21世紀,或許最明顯表達極簡抽象美感的音樂,就是電子樂了。當techno鼓聲帶領著成千上萬人跳到忘我時,大家所欣賞的正是極簡抽象音樂的後裔。有些人說極簡風音樂「沒有靈魂」,但他們可能沒認真在找。只要讓自己靜下來多聽幾分鐘,被那重複的聲音逐漸催眠,你會發現原本的噪音慢慢轉變成音樂,而在那夾縫之中,你也許能聽到自己的靈魂在高歌。

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