選項越少，你越能專注於自己所擁有的事物

曾經看過一本吉他教材，裡面要讀者練習只用單音solo，因為當你只能彈奏一個音時，對於何時要彈、用什麼樣的力道彈、每個音彈下去後要彈多長，都會格外謹慎與敏銳，等到你完全征服了單音後，再開始挑選兩個音來solo。在這樣的練習下，樂手會對於音符旋律情感與留白更為敏銳，而不會迷失在指板與速彈炫技中。同樣地，和弦與音色都是一樣的，有試過寫一首只有兩個和弦的歌嗎？或是只用一個樂器作編曲？

我曾在總舖師原聲帶內中聊到，披頭四當初靠著僅有的吉他與自己，在他們的車庫裡面寫出多首動人的歌曲。但若John與Paul生活在現代，要他們每天泡在電腦前面跟Logic Pro（或是"Garage Band"? lol）瞎耗，他們的音樂恐怕無法如此純粹真誠。別誤會我，我不是要反對科技，音樂科技的進步的確幫助我這非科班出身的音樂人得以迅速累積相關知識與技術，溝通軟體也大大便利了我工作中的協調聯繫事宜，但對於還在成長與學習的年輕人，對於自制力沒那麼高的人，被科技制約是非常恐怖的。看看那些在餐桌上家人愛人朋友面前只顧看著自己手機的人、看看那些沒有google map導航就無法找到方向的人、看看那些透過軟體音源認識真實樂器表情的年輕人、看看我們這些花時間在audio editing上卻把樂手晾在一邊玩手機的製作人。

這幾年來我一直很迷一段YouTube上找到的影片（就說我不是要反科技吧，我愛YouTube跟Google！），那是美國知名音樂劇作曲巨人Stephen Sondheim在1970年創作的經典音樂劇《夥伴們Company》的original cast原聲帶錄音花絮，那是現在音樂人完全無法想像的年代，十幾位演員與二十幾位樂手全部擠在一個大錄音室內同步錄音，所有音量平衡（balance）早在編曲、麥克風架設、演唱演奏這三個階段就已經被考慮好了，因此沒有什麼混音後製、更別提剪輯與auto-tune了，10個take錄完，選一個，收工。1970年，音樂製作幾乎沒有任何後製空間的年代，一個講求真功夫的年代，詞曲還是音樂的核心，編曲需要精準掌握樂器音色與真實音量，演員與樂手在演唱彈奏的技術情感與控制力更是基本中的基本。看看現在已是2015年，我懷疑有多少團隊能用這樣的方式完成一首音樂製作？